L’Estranea. L’ambizione di essere famiglia oltre il legame d’amore.

L’estranea è un film la cui collocazione di genere mi è risultata fin dall’inizio difficilmente definibile: thriller psicologico, horror demoniaco, film psichedelico? Il film intreccia infatti melodramma familiare, tensione psicologica, immaginario soprannaturale e una sensibilità visiva che richiama l’universo del cinema di genere.  Questa matrice non ne costituisce un limite, ma, a posteriori, è forse uno degli aspetti più interessanti dell’opera del regista italiano Paolo Strippoli. 

Classe 1993, Strippoli è uno dei registi emergenti più significativi del panorama italiano. Dopo A Classic Horror Story, co-diretto con Roberto De Feo, Piove e La valle dei sorrisi, ha delineato una poetica fondata su atmosfere inquietanti, tradizioni popolari e una rielaborazione personale dei codici del genere. Con L’estranea è stato scelto per rappresentare l’Italia nella corsa all’Oscar per il miglior film internazionale. 

Strippoli è certamente un regista da seguire, non soltanto per lo stupore che i suoi film riescono a provocare nello spettatore, ma anche per la capacità di condensare in una firma creativa autentica le tracce di cineasti che hanno rinnovato il cinema di genere e non solo: da Dario Argento a Pupi Avati, fino a Matteo Garrone e Paolo Sorrentino. Nella sua opera si avvertono inoltre suggestioni di registi internazionali come Christopher Nolan, Ari Aster e Lars von Trier, non senza echi che richiamano anche la sensibilità di Todd Phillips. 

Le atmosfere cupe si alternano a immagini abbaglianti, attraversate da una luce quasi irreale. La colonna sonora, che mescola Narcotic dei Liquido e Nessuno dei Baustelle, sembra esprimere lo sforzo di un giovane regista che dialoga, dalla propria prospettiva contemporanea, con la tradizione cinematografica. La musica non accompagna soltanto le scene: le rende ambigue, amplificandone il carattere perturbante e psichedelico. 

Anche la scelta di articolare la trama in quattro capitoli e un epilogo mi ha fatto pensare alla struttura delle miniserie: una successione di segmenti che trattiene l’attenzione del pubblico, sollecita brevi incursioni nella memoria alla ricerca di significati e, progressivamente, li ricompone in una trama più profonda. È la trama di una memoria remota, segnata da traumi precoci difficili da rappresentare alla coscienza e da enigmi identitari che possono alimentare coazioni disfunzionali e psicopatologiche, incidendo a lungo sul destino personale. 

La memoria, infatti, è fallace, ma resta insieme sostanziale alla costruzione dell’identità individuale. È proprio questa tensione tra ciò che viene rimosso, dimenticato e reinventato a dare al film la sua forza inquietante. 

In questa cornice traumatica si sviluppa la storia di una famiglia che, nella Bari della fine degli anni Novanta, si trova all’apice della propria ascesa sociale ed economica. È una famiglia immersa in un’Italia già segnata dalla cultura delle apparenze e da una concezione del denaro come misura del valore personale. La ricchezza non è soltanto una condizione materiale, ma anche qualcosa da esibire: il suo valore sembra risiedere nel desiderio e nell’invidia che suscita negli altri, in ciò che vorrebbero possedere. 

Il desiderio di suscitare l’invidia altrui finisce così per alimentarsi di sé, fino ad essere fagocitato dalla stessa invidia che ha generato. Al centro di questo spietato meccanismo inconscio, vi è Anna, interpretata da una bravissima Jasmine Trinca: una madre imprigionata in un dialogo quasi mefistofelico con una parte interiore di sé, attraverso l’incontro con l’Estranea, interpretata da una superba Valeria Bruni Tedeschi. L’Estranea e la sua apparizione nei momenti tragici della vita di Anna, lasciano senza fiato, sono tra le immagini più perturbanti ed inquietanti del film. 

L’estranea non si presenta soltanto come una figura esterna e demoniaca, è anche il ritorno di ciò che Anna ha rimosso. In lei prendono forma l’ambizione e il desiderio di ostentare ricchezza e benessere per negare la paura della mancanza, insieme all’invidia che si cela dietro le aspirazioni e le aspettative proiettate sulla vita dei figli. La pressione di ciò che Anna ha rimosso e negato, e che ha trasformato in un patto con il proprio desiderio, la spinge verso compromessi sempre più distruttivi, per sé e per gli altri, fino alla follia omicida. 

La sua violenza appare come il rovescio di una sofferenza non riconosciuta, di una colpa che non ha trovato altra via se non quella della ripetizione e della distruzione. 

Anna confonde il controllo con l’amore e la salvezza dei propri cari con la difesa ossessiva di uno status sociale. Il suo patto con l’estranea rende visibile questa dinamica: pur di conservare ciò che ha costruito, è disposta a tutto; ma proprio questa volontà di controllo la avvia verso una spirale di colpa, lutto impossibile e distruzione. Sarà infine l’incontro con la figlia Alice, e la volontà di quest’ultima di avvicinarsi al torbido passato della madre e alla follia del suo stato presente, a segnare l’epilogo di una spirale transgenerazionale. È a questa possibilità di riconoscimento, per quanto dolorosa e tardiva, che il film affida una forma di catarsi: non la cancellazione del trauma, ma la possibilità di interromperne, almeno in parte, la sua ripetizione. 

     (Dott.ssa Pietrina Bianco)